'Global Museum Pass/Mori Art Museum' (4건)


Murakami Takashi: The 500 Arhats

31 October, 2015 - 6 March, 2016

Mori Art Museum



오는 10월 도쿄 모리 아트 뮤지움에서는 세계에서 가장 영향력 있는 아티스트의 한 사람으로 알려져 있는 무라카미 다카시(Murakami Takashi, 1962 -)의 개인전이 열릴 예정이다. 14년 만에 일본에서 열리는 작가의 개인전 The 500 Arhats은 작가의 최신작품들을 비롯해서 회화작품 그리고 대형 조각작품들도 선보일 계획으로 많은 관심을 받고 있다.



일본의 오타쿠 문화가 무라카미 다카시에게 준 영향


일본 도쿄에서 태어나 도쿄미술대학에서 일본화를 전공하며 석, 박사학위를 취득한 무라카미 다카시는 일본의 애니메이션 망가에 영향을 받아 인물을 과장되게 표현하거나 화려한 색상과 선을 사용한 만화 캐릭터들을 작업에 주제로 사용하여 주목 받아왔다. 작가는 일본에서 답습되어오던 전통적인 서양회화 방식에 일본 회화의 재료와 기법들을 적용해 만들어지는 일본현대 회화방식을 탈피하고자 당시 일본의 젊은이들에게서 보인 새로운 ‘오타쿠*’ 문화에 관심을 갖고 작업을 시작하게 된다.


오타쿠 문화란 게임이나 만화를 비롯한 다양한 첨단기술 분야에 대해서 마니아적 성향을 넘어 깊이 몰두하여 현실보다는 가상에 세계에 매료된 젊은이들이 생겨난 현상을 이야기한다.



무라카미 다카시, 그가 만들어낸 예술 용어 슈퍼플랫(superflat)


작가는 이렇듯 하위문화(subculture)로 구분되고 있는 오타쿠 문화를 작업의 주제로 다루면서 하위문화와 상위문화라 일컬어지는 현대 미술과의 경계를 없애고 모든 것을 동등하게, 평평하게 만든다는 의미의 ‘슈퍼플랫’이라는 개념을 만들어냈다. 무라카미 타키시는 이러한 개념을 통해 일본사회에 만연한 소비문화와 서구문화에 대한 무분별한 동경 그리고 성 도착증을 이야기하며 아시아 미술에 고정관념을 가지고 있었던 서구미술에 신선한 충격을 안겨주었다. 이후 그는 본인의 제 2의 자아라 할 수 있는 미스터 도브(Mr. DOB)를 탄생시키고 자기 자신을 브랜드화와 하였고 팝 아트와 오타쿠의 합성어인 포쿠(POKU)라는 단어를 만들어내기도 했다. 



출처: 뉴욕현대미술관

Synthetic polymer paint on canvas board, three panels, 1996

9' 10" x 14' 9" (299.7 x 449.6 cm) ©Gift of David Teiger



일본의 앤디 워홀 무라카미 다카시


일본의 앤디 워홀(Andy Warhol)이 되고자 했던 작가는 1996년에 히로뽕(지친영웅)이라는 회사를 창립하고 이후 2001년에 카이카이 키키(Kai Kai kiki Co Ltd) 주식회사로 그 명칭을 변경한다. 미국과 일본에 위치한 이 회사는 100여명의 직원이 상주하며 무라카미 다카시의 아이디어에 맞추어 작품을 제작하는 것뿐만이 아니라 신진작가 육성 및 매니지먼트, 애니메이션 제작 아트상품 개발 그리고 판매까지 진행하고 있다. 이러한 작가의 활동은 2002년에 루이비통(Louis Vuitton)의 디자이너로 확장되며 예술을 일상의 영역까지 이끌어냈다는 평가를 듣고 있다.



일본에서 열리는 무라카미 다카시의 14년 만의 개인전 The 500 Arhats 


세계적인 관심을 한 몸에 받아온 작가는 미국, 프랑스 카타르 등 세계 유수의 미술관에서 작품을 선보여 왔지만 고국인 일본에서는 그의 작품들을 한 자리에서 만나는 기회가 흔치 않았다. 그렇기 때문에 이번 모리 아트 뮤지움에서 14년 만에 보여지는 작가의 전시는 그의 최신작을 선보이는 그 이상의 의미를 가지고 있다. 



The 500 Arhats 2012 Acrylic on canvas mounted on board

302 × 10,000 cm Private collection

Installation view: "Murakami - Ego," Al Riwaq Exhibition Hall, Doha, 2012

Photo: GION © 2012 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved.



작가는 이번 전시에서 가로 100mx 세로 3m의 엄청난 규모의 작품 The 500 Arhats(2012)를 소개한다. 이 작품은 부처를 따르는 500 명의 아라한(Arhat, 불교에서 수행하는 수행자들이 얻는 최고의 경지 중 하나)의 그림을 통해 2011년 일본 대지진의 슬픔과 아픔을 전달하고 있다. 무라카미 다카시는 이 작품과 더불어 거대한 규모의 작가들과 추상화들을 함께 선보이면서 불교라는 특정 종교의 교리를 그리고 인종과 문화를 넘어서 한 사회적인 사건과 현상에 대해서 모두가 공감하고 개개인의 내러티브를 만들어 낼 수 있다고 이야기하고 있다. 


전시 The 500 Arhats무라카미 다카시를 유명하게 만든 팝 아트의 익숙한 캐릭터들의 친근함을 넘어 관람객들에게 현재 우리는 우리가 살고 있는 현실을 어떻게 믿고 받아드리고 있는지에 질문을 던지며 사회의 다양한 현상들을 끊임없이 관찰하고 연구하는 작가의 더욱 깊어진 예술적 철학과 방향을 만나볼 수 있게 될 것이다.



The 500 Arhats 2012 

302 x 10,000 cm Private collection 

Installation view: “Murakami - Ego,” Al Riwaq Exhibition Hall, Doha, 2012 

Photo: GION 

© 2012 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved. 




  


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Lee Mingwei: Lee Mingwei and His Relations

20 September, 2014 - 4 January, 2015

Mori Art Museum



일본 도쿄의 모리미술관에서는 9월 20일부터 내년 1월 4일까지 대만 출신 작가 리 밍웨이(Lee Mingwei, 1964 - )의 개인전이 열린다. ‘리 밍웨이와 그의 관계(Lee Mingwei and His Relations)’라는 전시 타이틀의 주인공인 리 밍웨이는 예술 작품을 통해 사람과 사람, 사람과 사물을 연결하고자 하며, 그의 모든 작품 속에 소통과 관계의 미학을 담는다.


미국으로 이주한 뒤 예일대에서 석사학위를 받기도 한 리 밍웨이는 현재 뉴욕을 기반으로 활동 중이다. 휘트니 미술관(Whitney Museum of American Art), 뉴욕 모마(Museum of Modern Art), 라크마(Los Angeles County Museum of Art)등에서 개인전을 진행해왔고 베니스 비엔날레, 아시아 퍼시픽 트리엔날레 그리고 리옹 비엔날레 등 국제적인 예술 행사에서 그의 작품을 선보여 왔을 정도로 1990년대부터 예술계에 두각을 나타내왔다.



모두가 함께 만드는 예술 작품


‘관계의 미학’(Relational Aesthetics)이라는 연구가 있다. 프랑스 출신 평론가 니콜라스 부리오(Nicholas Bourriaud)의 이론으로, 사람의 관계와 그들이 살고 있는 사회의 구조에 대해 다뤄온 1990년대 활동한 작가들에 대한 연구이다. 리 밍웨이 역시 그간 전시장을 방문한 관객들이 그의 작업에 직접 참여하여 소통하는 형식의 작품들을 만들어왔다.



출처: 3 Dots Water - The Dining Project

Courtesy of the artist and Lombard Freid Projects, New York, 1997-present



리 밍웨이는 관람객의 경험과 동선을 계획해 이벤트를 만들고 완성작을 구상한다. 그와 함께 식사하고 대화하고 잠을 자는 등 관객의 경험이 하나의 작품으로 완성되기도 하고, 관람객 각자가 세상을 이해하는 방식이 작품에 대입되어 스스로 이야기를 만들어내기도 한다. 이와 같은 소통성이 짙은 그의 작업은 참여하는 관객과 그날 그날의 해프닝들이 작품에 영향을 주어 열린 결말을 갖게 된다.



움직이는 정원, 관람객에게 주어진 꽃 배달 미션


The Moving Garden (detail), 2009

Installation view, Lyon Biennale (2009). Stainless steel, granite, water, fresh flowers, 2 x 4.4 x 39.4 ft. (0.6 x 1.34 x 12 m) 

Collection of Amy and Leo Shih, Taichung, Taiwan



작가의 대표작 중 우리에게 가장 친근한 작품은 작년 국립현대미술관에서 소개됐던 작품 ‘움직이는 정원’(2009)일 것이다. 매일 관람객들이 가져갈 수 있는 120송이의 꽃을 9m의 화단에 전시하고 꽃을 가져가는 관람객들에게는 미술관을 나가 다음 행선지로 이동하기 전, 되도록이면 낯선 길로 돌아가면서 낯선 사람에게 가져간 꽃을 선물하고 이 과정에서 생긴 에피소드를 미술관 공식 SNS에 게시하도록 하는 미션을 주었다.


작가는 이 작품을 통해 관람객들이 전시장에서 느낄 수 있는 시각적인 경험을 뛰어넘어, 작품에 직접 참여하는 경험을 하고 이를 타인과 공유하고 오래도록 기억함으로써 기존에 ‘바라보기’의 감상이 아닌 보다 확장된 차원의 예술감상법을 제안하고 있다.



규모의 미학 ‘Lee Mingwei and His Relations’ 전시


‘Lee Mingwei and His Relations’ 전시는 작가가 활동해온 지난 20년간 소개된 전시 중 가장 큰 규모로 그간의 작품세계를 총망라하는 대표작 14점과 그에게 많은 영향을 준 아티스트와 사상가 그리고 종교인으로 구성된 11 인(존 케이지 John Cage, 하쿠인 Hakuin, 앨런 캐프로 Allan Kaprow, 이브 클라인 Yves Klein, 타나카 코키 Tanaka Koki, 이마키타 코센 Imakita Kōsen, 히사마추 신이치Hisamatsu Shin'ichi, 디 티 수주키 D.T. Suzuki, 리크릿 트라바니아 Rirkrit Tiravanija, 오자와 추오시 Ozawa Tsuyoshi, 이우환 Lee Ufan)의 작품 활동 그리고 세계관이 담긴 어록들이 함께 소개됨으로써 작가의 철학과 작품 활동의 의도와 의미에 대해 다른 차원으로 이해해 볼 수 있는 기회를 제공하고자 했다.



The Mending Project, 2009

Installation view: Lombard-Freid Projects, New York, 2009

Collection: Rudy Tseng Photo: Anita Kan



이와 함께 그의 작품과 연관된 다양한 사진들도 전시됐는데 일본에서 공부한 그의 조부모님의 사진을 전시함으로써 본인 개인의 기억들을 통해 일본과 대만과의 관계도 조명했다. 또한 작가는 수선이 필요한 옷이나 오브제를 관람객과 함께 바느질하고 수선하며 이야기를 나누거나 지목된 관람객에게 작가가 직접 요리한 음식으로 전시장에서 함께 식사하며 작가와 관람객이 마주하는 작품들이 선보이고, 더 나아가 관람객에게 작가의 계획에 따라 전시장에서 의도치 않게 작가를 대신하여 주인처럼 다른 관람객을 맞이하게 되는 경험을 하거나 관람객의 추억이 깃든 아이템들을 직접 만든 이에게 보내 추억을 교환하게 하는 등 관람객이 작품을 이끌고 완성하는 적극적인 주체자가 되게 만드는 색다른 전시로 구성됐다.



매일 달라지는 작품, 새로운 경험으로 깨닫는 평범한 일상의 의미 


리 밍웨이는 완벽히 설치가 마무리되어 공개되는 보통의 전시들과는 달리 이 전시는 오픈 시, 40%만 완성된 상태로 관람객과 만나게 된다고 이야기한다. 작가가 기획한 다양한 프로젝트에 참여한 관객들에 의해 107일 동안 매일 매일 새로운 모습으로 변하며 전시 종료 시점에야 완벽한 모습이 만들어 지는 것이다. 작가는 이러한 긴 과정의 전시, 'Lee Mingwei and His Relations’에서 만날 수 있는 지난 20여년간의 총체적인 작품들을 통해, 관객과 새로운 관계를 맺는 경험의 새로운 전기를 맞이하길 원하는 듯 하다.



출처: Lombard Freid Gallery - Fabric Of Memory, 2006

Mixed Media Installation

Dimensions Variable

Installation View Of Liverpool Biennale



이렇듯 작가가 제안한 새로운 경험은 전시장에서 끝나는 것이 아니라 우리의 일상으로 이어진다. 사람과 사물 그리고 주변 환경과의 관계와 연결고리에 대해 진지하게 생각해보고 우리의 일생과 일상의 의미를 깨닫는 기회가 될 것이다. 이번 전시가 끝나는 내년 1월 4일에야 비로소 완성되는 그의 작품이 어떤 모습을 띠고 있을지 벌써부터 기다려진다.




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모리미술관은 일본 도쿄의 롯폰기힐스 한가운데 위치한 미술관이다. 22만평에 이르는 엄청난 면적의 롯폰기힐스는 54층의 모리타워를 중심으로 총 6동의 건물로 이뤄져 있다. 여기에 TV아사히, 영화관, 도서관, 음식점, 상업시설, 공연장 뿐 아니라 주거공간과 사무실 등이 들어선 복합문화단지다. 롯폰기힐스 한가운데 위치한 모리타워의 53층에 바로 모리미술관이 자리하고 있다.

모리미술관의 디자인은 뉴욕 디아 아트센터, 피츠버그의 앤디워홀 미술관, 스페인 말라가의 피카소 미술관 등에서 독창적인 공간을 보여준 바 있는 세계적인 건축가 리처드 글러크먼이 맡았다. 미술관은 지상에서 분리된 공간으로, 3층에 위치한 티켓 데스크에서 티켓을 수령한 뒤, 엘리베이터로 52층으로 이동하면, 52층에서 에스컬레이터를 타고 53층의 입구로 입장하게 된다. 2000평 규모의 거대한 타원형 전시 공간은 기획전이 열릴 때마다 자유자재로 변화한다.

3층의 티켓 데스크로의 이동을 용이하게 하기 위해, 롯폰기힐스 내 전용출입구인 ‘뮤지엄 콘’을 설치했다. 리처드 글러크먼이 설계한 소용돌이 모양의 계단을 이용하거나, 엘리베이터를 타고 3층으로 이동하면, 바로 건너편의 모리타워로 연결되는 구름다리가 이어진다. 구름다리의 끝에는 티켓 데스크와 인포메이션 데스크가 위치하는데, 복잡한 롯폰기힐스 한가운데에서 갑자기 조용한 미술관 공간으로 순간 이동한 것 같은 느낌을 받을 수 있다.

모리미술관은 2003년 개관하였다. 자체 소장품으로 구성한 상설전시가 없는 대신, 일상의 예술화를 테마로, 실험적인 전시들을 꾸준히 선보여 왔으며, 일본에서도 독자적인 감각과 수준 높은 구성을 인정받고 있다. 단, 하나의 공간으로 이루어진 전시관으로, 전시가 교체되는 기간에는 휴관하게 된다.

모리미술관 개관에 이어 2007년 1월에는 국립신미술관, 3월에는 산토리미술관이 인근에 잇따라 개관하면서 일대가 예술지역으로 더욱 발전하고 있다. 세 곳의 미술관은 ‘롯폰기 아트 트라이앵글’을 이루며 새로운 예술거점으로 다양한 즐거움을 선사하고 있다.

현대카드 플래티넘 이상 카드 소지자 대상

  • 무료 입장 (본인 및 동반 2인까지)
  • 티켓 데스크가 아닌 지정 인포메이션 데스크에서 무료 티켓 수령
  • 모리타워(TOKYO CITY VIEW, SKY DECK) 입장 포함



 

관람 시간

  • 수요일 ~ 월요일 10:00 AM ~ 22:00 PM (입장은 폐관하기 30분 전까지 가능)
  • 화요일 10:00 AM ~ 17:00 PM
    • 전시가 없는 기간에는 휴관이므로 확인 필수
* 단, 전시장 리뉴얼 공사기간에는 이용 불가 (혜택 이용 중단기간: 2015년 1월 5일 ~ 2015년 2월 28일)

관람 요금

표제목
대상 요금 기타사항

일반

¥1,800

-

Metro 이용 시

  • 도쿄 메트로 히비야선의 롯폰기역 에서 하차(중앙 광장과 연결)
  • 도영 지하철 오오에도선의 롯폰기역 에서 하차
  • 도영 지하철 오오에도선의 아자부주반역 에서 하차

Bus 이용 시

JR시부야역에서 도영01 JR, 도영 시부88계통 버스(시부야~신바시)탑승하여 EX 시어터 롯폰기 앞에서 하차



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